La capilla Susana Soca: un tesoro arquitectónico de Canelones que recibe a la francofonía internacional

Entre los campos abiertos del municipio de Soca, en el departamento de Canelones, emerge una construcción que combina espiritualidad, arquitectura y memoria cultural. La capilla Susana Soca se levanta como uno de los

espacios patrimoniales más singulares del Uruguay y, en marzo de 2026, volverá a conectar al país con el mundo a través de una actividad internacional vinculada a la francofonía.

Una obra que nació de la memoria y el arte

La capilla fue construida entre 1962 y 1966 por el reconocido arquitecto catalán Antoni Bonet, figura clave de la arquitectura moderna en el Río de la Plata. El edificio rinde homenaje a Susana Soca, poeta, editora y promotora cultural uruguaya fallecida en 1959 en un accidente aéreo en Brasil.

El templo está dedicado a la Virgen de los Treinta y Tres Orientales, símbolo espiritual profundamente ligado a la identidad nacional. Su diseño combina inspiración neogótica con elementos contemporáneos que crean una atmósfera única.

Las vidrieras traídas desde Francia, los arcos ojivales y la torre campanario que se eleva sobre el paisaje rural convierten al edificio en una pieza arquitectónica de fuerte carácter simbólico. La construcción de ladrillo visto y la luz que atraviesa las vidrieras generan un ambiente de contemplación que sorprende a quienes llegan por primera vez.

En 2014, el Estado uruguayo la declaró Monumento Histórico Nacional, reconociendo su valor arquitectónico y cultural.

Un patrimonio vivo en el corazón rural de Canelones

Ubicada a unos 60 kilómetros de Montevideo, la capilla forma parte del patrimonio cultural del interior del país y se integra a los circuitos turísticos que conectan naturaleza, historia y tradición.

Durante décadas el espacio ha sido escenario de celebraciones religiosas, fiestas patronales, encuentros culturales y visitas guiadas, consolidándose como uno de los puntos de referencia del municipio de Soca.

La serenidad del entorno, el silencio del paisaje rural y la presencia de esta arquitectura singular generan una experiencia que mezcla espiritualidad, arte y territorio.

Canelones recibe a la Francofonía 2026

El próximo lunes 17 de marzo a las 15:00 horas, la capilla será sede de una actividad especial en el marco del Mes de la Francofonía 2026.

Representaciones diplomáticas de once países francófonos participarán de una visita guiada reservada que permitirá descubrir la historia del edificio y su vínculo cultural con Europa, especialmente con Francia, país de origen de sus vidrieras.

La jornada incluirá además una performance artística del grupo Abirigen, que presentará una propuesta de danza y música pensada como celebración del diálogo cultural entre naciones unidas por la lengua francesa.

Patrimonio, cultura y turismo

El encuentro combina patrimonio, diplomacia cultural y turismo, proyectando a Soca como un punto de interés para visitantes que buscan experiencias auténticas en el territorio.

Para Canelones, este tipo de actividades fortalecen la visibilidad internacional de sus espacios culturales y confirman el potencial del departamento para integrar historia, arquitectura, arte y turismo de cercanía.

La capilla Susana Soca sigue siendo, más de medio siglo después de su construcción, un lugar donde la arquitectura conversa con la memoria y el paisaje.

Un sitio que invita a detenerse, mirar con calma y descubrir una de las joyas menos conocidas del patrimonio uruguayo.

Teatro que interpela al presente: la Comedia Nacional estrena Antígona y El síndrome de Stendhal en el Solís

Montevideo vuelve a respirar teatro con dos estrenos que dialogan con el presente desde lenguajes muy distintos. La Comedia Nacional presenta en el Teatro Solís dos obras que parten de tradiciones opuestas —la tragedia clásica y la autoficción contemporánea— pero coinciden en un mismo punto: invitan a mirar de frente las emociones humanas y los conflictos que atraviesan a la sociedad.

Por un lado, Antígona, la tragedia escrita por Sófocles hace más de dos mil años, regresa con una puesta escénica de gran despliegue dirigida por el español Miguel del Arco. Por otro, el dramaturgo franco-uruguayo Sergio Blanco propone El síndrome de Stendhal, una obra que explora la intensidad emocional que puede provocar el arte.

Dos estrenos, dos formas de entender el teatro. Y una misma pregunta de fondo: qué ocurre cuando una obra escénica toca algo profundo en quien la observa.


Antígona: la tragedia que nunca deja de hablarle al presente

Desde el 29 de marzo la Sala Principal del Teatro Solís recibe Antígona, en versión y dirección del reconocido dramaturgo y director Miguel del Arco.

La historia es conocida y, sin embargo, siempre vuelve a resultar incómoda. Tras una guerra civil que devastó Tebas, los hermanos Polinices y Eteocles mueren enfrentados por el poder. Creonte, nuevo gobernante, decide honrar a uno y condenar al otro al olvido. Antígona, hermana de ambos, se rebela contra esa orden en nombre de una ley moral más antigua que cualquier decreto político.

Ese conflicto —obedecer la ley o seguir la conciencia— atraviesa toda la obra y explica por qué el texto de Sófocles continúa vigente siglos después.

La puesta apuesta a un dispositivo escénico dinámico: una estructura giratoria transforma el espacio en tiempo real mientras el coro, la música original y un elenco de diecinueve intérpretes construyen una experiencia coral que combina teatro, movimiento y canto.

La elección de Miguel del Arco no es casual. El director español es una figura central del teatro contemporáneo iberoamericano, responsable de montajes que renovaron clásicos como Hamlet, Misántropo o Ricardo III y creador de proyectos escénicos que han marcado al teatro europeo reciente.

Con Antígona, la Comedia Nacional vuelve a apostar por una lectura contemporánea de los clásicos. En tiempos donde las decisiones políticas y las convicciones personales chocan con frecuencia, la tragedia griega se transforma en un espejo incómodo para el presente.


El síndrome de Stendhal: cuando el arte provoca vértigo

A partir del 20 de marzo, en la Sala Zavala Muniz, el dramaturgo Sergio Blanco estrena El síndrome de Stendhal, una obra escrita especialmente para la Comedia Nacional.

El punto de partida es un fenómeno real. En la década de 1970 la psiquiatra italiana Graziella Magherini observó que algunos turistas sufrían descompensaciones físicas y emocionales frente a grandes obras de arte en Florencia. Taquicardia, vértigo o desorientación aparecían como respuesta a una experiencia estética demasiado intensa.

A ese fenómeno lo llamó síndrome de Stendhal, en referencia al escritor francés que describió una emoción similar al contemplar obras renacentistas en la ciudad italiana.

Sergio Blanco toma esa idea y la convierte en una pieza de autoficción. En la obra, el propio autor aparece como personaje tras sufrir una crisis durante una estancia académica en Florencia, lo que lo conduce a una internación psiquiátrica donde se cruzan relatos, recuerdos y reflexiones sobre la creación artística.

La dramaturgia entrelaza tiempos, personajes y referencias culturales que van desde San Agustín hasta Caravaggio o Rachmaninov, explorando un territorio que Blanco frecuenta en su teatro: la frontera entre vida, pensamiento y representación escénica.

Con un elenco encabezado por Roxana Blanco, Mauricio Chiessa, Gustavo Saffores, Stefanie Neukirch y Pablo Musetti.   La obra propone una experiencia teatral donde la emoción estética no es un concepto abstracto, sino una experiencia física.


Dos obras, una misma pregunta

Entre la tragedia griega y la autoficción contemporánea existe una distancia de más de dos mil años. Sin embargo, las dos propuestas que presenta la Comedia Nacional dialogan en un mismo plano.

Antígona confronta al espectador con la tensión entre poder y conciencia.
El síndrome de Stendhal explora la intensidad con la que el arte puede sacudir la vida interior.

Una se apoya en la palabra de Sófocles.
La otra en la dramaturgia contemporánea de Sergio Blanco.

Ambas recuerdan algo esencial del teatro: cuando funciona, no se limita a entretener. También incomoda, cuestiona y deja una huella emocional.

En ese territorio donde el arte toca fibras profundas, el teatro vuelve a demostrar que su mayor fuerza no está en el espectáculo, sino en la experiencia que cada espectador se lleva al salir de la sala.

Datos:

  • El síndrome de Stendhal
    20 de marzo al 19 de abril
    Sala Zavala Muniz – Teatro Solís

  • Antígona
    29 de marzo al 26 de abril
    Sala Principal – Teatro Solís

  • Las entradas se encuentran disponibles a través de la boletería del Teatro Solís y su plataforma digital.

En el escenario, el flamenco no siempre se expresa como una tradición estática. A veces se transforma en un tejido vivo donde cada gesto, cada silencio y cada giro dialogan con la memoria. Ese es el territorio creativo de “Hilos del alma. Danza bordada de memorias”, la nueva propuesta escénica de la artista Mariana Alanís, una obra que enlaza danza, música en vivo y relato emocional.

El espectáculo, premiado por el fortalecimiento de las artes con apoyo del Instituto Nacional de Artes Escénicas (INAE), propone una exploración contemporánea del flamenco desde la experiencia personal de la intérprete. En escena aparece un universo de recuerdos donde el arte se vuelve herencia. Las historias de mujeres vinculadas al flamenco —maestras, voces, presencias— se entrelazan con la vida de la artista y encuentran su símbolo en los mantones de Manila, piezas cargadas de historia y belleza artesanal.

Con curaduría internacional de la artista andaluza Carmen Mesa, bailaora, actriz y cantaora radicada en Buenos Aires, la obra avanza como un recorrido emocional que combina fuerza, delicadeza y profundidad expresiva. El flamenco se despliega en matices contemporáneos, sin perder su raíz, mientras el mantón se transforma en extensión del cuerpo y en metáfora de los vínculos invisibles que unen generaciones.

Mariana Alanís resume el espíritu de la propuesta con una frase que atraviesa todo el espectáculo:

“Yo no bailo sola, en cada paso me acompañan las que lloraron, las que cantaron, las que bordaron, las que me habitan. Esta danza son hilos del alma.”

La puesta cuenta con música en vivo, un elemento central que amplifica la intensidad dramática de la obra. Sobre el escenario participan Andrea Gómez, Fabricio Armesto y Camilo Penadés, quienes construyen un paisaje sonoro que respira junto a la danza.

El equipo artístico se completa con Maite Moreno en la producción, Diego Ferreira en escenografía, iluminación y técnica, la colaboración interpretativa de Sebastián Cardozo, y el trabajo visual de Alejandro Persichetti en diseño gráfico y fotografía. Las grabaciones y voces en off incorporan las intervenciones de Darío Agüero, Carmen Mesa y Rocío Bruno, ampliando el universo narrativo del espectáculo.

La propuesta llega al Espacio Teatro, en el corazón de Montevideo, con solo seis funciones, lo que convierte cada presentación en una oportunidad especial para encontrarse con una obra donde danza y memoria dialogan con intensidad.

Funciones

  • 7, 11, 14 y 21 de marzo — 20:30 h

  • 15 y 22 de marzo — 19:30 h

Espacio Teatro – Mercedes 865, Montevideo
Entradas: disponibles en Redtickets

“Hilos del alma” invita a mirar el flamenco desde otro lugar: como una trama de historias, voces y emociones que se transmiten de generación en generación. Cada movimiento, como un bordado invisible, deja en el aire la sensación de que el arte también puede ser memoria.

Mujer rural, liderazgo e inteligencia artificial: el nuevo impulso del turismo rural. 

SUTUR convoca a mujeres rurales en el Año Internacional de la Mujer Agricultora 2026, integrando liderazgo e inteligencia artificial en turismo rural.


La mujer rural en el centro del nuevo turismo

En el marco del Mes de la Mujer y en consonancia con la declaración de Naciones Unidas que designa 2026 como Año Internacional de la Mujer Agricultora, SUTUR impulsa un espacio de encuentro, reflexión e intercambio para mujeres rurales vinculadas al turismo.

La cita será el martes 10 de marzo, de 8:30 a 12:00 horas, en Casa de Campo Alma de Gloria.

Andrea Baracco lo define con claridad:
“Es un encuentro para pensar y charlar. Para compartir experiencias y proyectar juntas el turismo rural que queremos construir”.

El eje es doble:

  • Impulsar liderazgo en el turismo rural

  • Construir futuro incorporando inteligencia artificial


Un lugar que expresa identidad

La elección del espacio tiene coherencia estratégica.

Alma de Gloria forma parte de la Asociación Turística de Canelones  y de la Sociedad de turismo Rural y Natural  que se ha consolidado como referencia en experiencias gastronómicas rurales.

Se trata de experiencia completa e inmersiva donde el espacio y tiempo conjugan con una fiesta para todos los sentidos .

Sus meriendas y su ritual del té, cuidadosamente diseñado, combinan estética, hospitalidad y producto local en un formato que representa el concepto de turismo rural premium: identidad, detalle y valor agregado.

SUTUR elige un espacio que habla por sí mismo.


El turismo rural  crece en el mundo

El contexto internacional respalda esta apuesta.

La OECD y ONU Turismo registran crecimiento sostenido en experiencias vinculadas a naturaleza, gastronomía local y bienestar. Booking.com señala que más del 60% de los viajeros prioriza destinos menos masivos y propuestas auténticas.

El turismo rural actual de los miembros de SUTUR se sostiene en:

  • Producción local

  • Gastronomía de identidad

  • Actividades inmersivas

  • Baja densidad

  • Sostenibilidad real

En América Latina, Uruguay consolida enoturismo y experiencias rurales como motor de desestacionalización.

Este modelo genera empleo local y fortalece cadenas de valor cortas. No compite por volumen. Compite por calidad.


Inteligencia artificial: herramienta para escalar sin perder identidad

El segundo eje del encuentro incorpora una variable decisiva: inteligencia artificial aplicada al turismo rural.

El World Economic Forum sostiene que la IA puede mejorar productividad entre 20% y 40% en sectores intensivos en información. McKinsey destaca que reduce costos operativos y mejora precisión estratégica.

Para una casa de té, una bodega o un emprendimiento rural, la IA permite:

  • Automatizar reservas y consultas

  • Crear campañas segmentadas

  • Traducir contenidos para turistas internacionales

  • Analizar comportamiento del cliente

  • Optimizar comunicación digital

La tecnología no reemplaza identidad. La amplifica.


Canelones como territorio activo

La articulación entre SUTUR y la Asociación Turística de Canelones refleja un ecosistema que entiende el turismo rural como política de desarrollo.

En el Año Internacional de la Mujer Agricultora, el liderazgo femenino encuentra en el turismo rural un espacio concreto de gestión, innovación y comunidad.

El 10 de marzo no es solo una fecha. Es una señal.

Territorio, mujeres y tecnología en una misma mesa.

Salas llenas y memoria activa: el Festival de Cine Judío reafirma su lugar en Punta del Este

Con salas colmadas y una programación que volvió a generar conversación más allá de cada función, el Festival Internacional de Cine Judío de Punta del Este cerró una nueva edición confirmando su peso cultural en la región.

El encuentro se desarrolló entre el 21 y el 24 de febrero en The Grand Hotel Punta del Este, reuniendo más de 70 producciones provenientes de 25 países, entre largometrajes y cortos. Desde su nacimiento en 2003, el certamen mantiene continuidad y consolidó un público fiel que entiende el cine como espacio de reflexión y memoria.

He participado en varias ediciones y el clima que se respira es siempre el mismo: respeto por las historias, escucha atenta y diálogo abierto. Este año no fue la excepción.


Más que cine: educación, arte y reflexión

Además de las competencias cinematográficas, el festival integró actividades educativas y culturales. Se destacó una conferencia organizada por el Centro Uruguayo de Estudios contra el Antisemitismo y la Desinformación (Cuecad) y la exhibición artística del movimiento Combat Antisemitism Movement bajo el lema “No discriminarás”.

Estas instancias reforzaron el objetivo central del evento: promover el diálogo y la reflexión a través del cine, ampliando la experiencia más allá de la pantalla.


“7.10 Sur Rojo”, la película más impactante del certamen

El gran ganador de la edición fue el documental “7.10 Sur Rojo”, que recibió los premios a Mejor Película y Mejor Dirección.

Dirigido por el cineasta argentino Uriel Sokolowicz, y coproducido por la Fundación Norma y Leo Werthein junto a Aleph Media, el filme aborda el ataque terrorista perpetrado por Hamas contra Israel el 7 de octubre de 2023.

El jurado destacó su capacidad de “sostener la mirada frente al horror” y subrayó que la obra transforma el registro del 7 de octubre en un testimonio audiovisual de gran potencia, convirtiendo el caos en una reflexión profunda sobre la condición humana en tiempos de guerra.

El documental reúne testimonios de sobrevivientes, familiares de víctimas y especialistas, construyendo una narrativa a partir de imágenes reales y audios originales que invitan a reflexionar sobre los límites de la violencia y la necesidad de preservar la memoria.

El propio Sokolowicz expresó que el reconocimiento valida un cine que no busca la venganza, sino que apuesta por los valores humanos y el entendimiento mutuo.


Dónde ver “7.10 Sur Rojo”

Tras su recorrido por festivales internacionales, el documental puede verse en Latinoamérica a través de DIRECTV, en la señal DNEWS y en la plataforma DGO (Argentina, Chile, Colombia, Ecuador, Perú y Uruguay), donde está disponible On demand. En Brasil se encuentra traducido al portugués en la plataforma SKY+.


Un puente cultural entre Uruguay y Argentina

Una vez más, el festival reafirmó el fuerte vínculo cultural entre Uruguay y Argentina. Muchos de los directores, actores y producciones provienen del país vecino, donde estas obras encuentran un público cercano, comprometido y atento a la reflexión histórica y social.

El periodista y crítico cinematográfico Fernando Palumbo valoró al Festival de Cine Judío de Punta del Este como un verdadero espacio de encuentro y reencuentro entre colegas y realizadores con los que comparte una extensa trayectoria profesional. Destacó que el evento permite acceder a producciones que no suelen integrar el circuito habitual de exhibición en Montevideo, acercando al público un cine de calidad, con identidad y mirada propia. En cuanto al ejercicio de la crítica, subrayó que exige un conocimiento profundo de la historia del cine y de las artes, además de la capacidad de medir el compromiso emocional que una obra despierta, procurando evitar sesgos personales y sostener un equilibrio entre la inevitable subjetividad del arte y una evaluación lo más rigurosa posible. Asimismo, consideró que Maldonado ofrece condiciones especialmente favorables para la realización audiovisual gracias a la diversidad de sus locaciones, y afirmó que Punta del Este se consolida como un polo cada vez más relevante para el cine independiente, en un proceso que también fortalece su perfil turístico y cultural.


Un reconocimiento a su hacedor

Detrás de esta continuidad cultural se encuentra el trabajo sostenido de Fernando Goldsman, impulsor del festival y de otras propuestas temáticas que enriquecen la agenda cultural del país. Su tarea permitió construir un espacio que, más de dos décadas después, mantiene coherencia, público y prestigio.

Con salas llenas y una propuesta que integra cine, educación y arte, el Festival de Cine Judío volvió a demostrar que Punta del Este puede ser también un territorio de memoria y pensamiento, donde la cultura encuentra su lugar en pleno verano.

 
 
 

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